Поиск по сайту
Авторизация
Логин:
Пароль:
Регистрация
Забыли свой пароль?
Событийный календарь
Подписка на рассылку
Публикация экскурсионных материалов
Ассоциация АГП заранее выражает признательность всем гидам, готовым предоставить экскурсионные материалы для публикации в разделе "Для членов АГП".

Вместе с тем, решение о публикации и окончательный вид публикуемых материалов определяются руководством ассоциации.

Экскурсионные материалы

19.11.2018

Экспозиция Галереи искусства стран Европы и Америки XIX- XX веков.

Галерея искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков.
Галерея искусства стран Европы и Америки  XIX-XX веков – новый отдел музея.
Он был открыт в августе 2006 года в доме, который первоначально представлял собой левый флигель городской усадьбы князей Голицыных. От построек этого архитектурного комплекса, который строился по проектам архитекторов С.И. Чевакинского, И.П. Жеребцова, затем М.Ф. Казакова в неизменном виде сохранились лишь въездные ворота с гербом князей Голицыных, остальные здания были перестроены. Левый флигель был превращен в 1890-92 гг. архитектором В.П. Загорским в меблированные комнаты «Княжеский двор». Здесь останавливались и жили в разное время В.И. Суриков (об этом свидетельствует мемориальная доска на фасаде), И.Е. Репин, А.Н. Скрябин, Л.О. Пастернак. В 1988-1993 гг. корпус был реконструирован под музейное здание. Здесь с 1999 по 2005 г. размещался “Музей личных коллекций”.
В этом разделе музея представлены различные направления европейского и американского искусства XIX-XX веков, работы Гойи, Делакруа, Милле, Курбе, Домье, Коро и пейзажистов Барбизонской школы,  прославленные полотна импрессионистов и постимпрессионистов, живописцев Германии, Скандинавских стран, всемирно известные произведения Анри Матисса и Пабло Пикассо, художников второй половины ХХ века.
История коллекций. Создание общедоступных собраний было характерной чертой жизни русского общества начиная с 60-х гг. XIX столетия. В Москве это знаменитая галерея П.М. Третьякова. Его брат Сергей Михайлович Третьяков начал в 1870-е гг. собирать произведения западноевропейской, главным образом французской живописи второй половины XIX века. В его коллекции были картины К. Коро и художников Барбизонской школы, а также работы Делакруа и Бастьен-Лепажа. Картины зарубежных живописцев поступили из собрания П.И. и В. А. Харитоненко. Но определяющими для современной экспозиции галереи стали приобретения двух московских купцов-меценатов – Сергея Ивановича Щукина и Ивана Абрамовича Морозова, которые одними из первых начали на рубеже столетий покупать новейшую европейскую живопись. Так в русских собраниях оказались первоклассные произведения Клода Моне, Ренуара, Дега, Сислея, Писсарро, Гогена, Ван Гога, Пикассо и Матисса. Национализированные в 1918 году, они позднее составили основу Музея нового западного искусства, существовавшего с 1928 по 1948 год. Затем его коллекции были расформированы и переданы в ГМИИ имени А.С. Пушкина и Государственный Эрмитаж. Собрание музея пополнялось во второй половине ХХ века. К работам европейских мастеров добавились творения  скульпторов,  живописцев  и графиков американского континента.  В разное время в дар музею передавали свои произведения крупнейшие мастера прошлого столетия - А. Матисс, Р. Гуттузо,  Р. Кент,  Д. Ривера, художники Болгарии, Польши, Венгрии, Чехословакии,  Германии,  а также зарубежные и отечественные друзья,  коллекционеры и почитатели музея – вдова художника Фернана Леже Надя Леже, секретарь А. Матисса Лидия Делекторская. На рубеже 1990-х гг. семьями художников были переданы музею работы В. Кандинского и М. Шагала.
Вестибюль. Вестибюль оформлен работами крупнейших мастеров конца  XIX- начала ХХ века. Стены украшают панно Пьера Боннара (1867-1947) “Ранней весной в деревне” и “Осенью. Сбор фруктов”, созданные художником для особняка И. А. Морозова в Москве на Пречистенке (ныне здание Академии Художеств). Художник придал им вид огромных шпалер.
Центр занимает ансамбль из четырех статуй - “Флора”, “Весна”, “Лето”, “Помона, исполненных также для И.А. Морозова, крупным французским скульптором Аристидом Майолем (1861-1944) в 1910-11 гг.  Это четыре этапа в жизни женщины: начало цветения в девичестве, мечты и устремленность юности в “Весне”,  полнота и гармония бытия в “Лете”,  В статуе “Помона” крепкие формы тела богини плодородия круглятся как зрелые плоды, которые она держит в руках.
Мраморный портрет основоположника русской микробиологии Г.Н. Габричевского был создан посмертно выдающимся французским скульптором Огюстом Роденом (1840-1917). Это портрет-воспоминание: формы размыты, голова возникает из глыбы мрамора, готовой вновь поглотить человеческое лицо.
Третье скульптурное изображение принадлежит Эмилю Антуану Бурделю (1861-1929), который сформировался как мастер в мастерской Родена. Это этюд головы для статуи “Победа”, созданный в 1915 году для проекта конного памятника генералу Альвеару в Буэнос-Айресе.
Залы 1 – 2.
Экспозицию музея на первом этаже открывают произведения художников-романтиков. Романтизм возник в европейской литературе, искусстве и музыке в начале XIX века и был ответом на итоги Великой Французской революции, так и не решившей коренные вопросы человеческого бытия, и последующие общеевропейские события: возвышение и крах Наполеона, последовавшая затем реакция. Романтизм выразил растущий индивидуализм буржуазного общества и протест против индустриального развития. Романтики поставили в центр своего искусства образ конфликтующей с миром личности, живущей во власти своих чувств и порывов. Тяга ко всему неизведанному, необычному и далекому, к идеализированному прошлому, иным цивилизациям и нравам, драматизм человеческих судеб стали отличительными признаками европейского романтизма.
Два произведения наглядно характеризуют романтическую живопись – пейзаж немецкого романтика Каспара Давида Фридриха и вождя романтического направления во французском искусстве Эжена Делакруа «После кораблекрушения».
К.Д. Фридрих, друг русского поэта В.А. Жуковского, который оказывал ему покровительство при царском дворе, был преимущественно пейзажистом. На его картине «Исполинские горы» (Вид на Малую Штурмбахе из Вармбрунна), написанной в 1810-е годы, предстает  величавая цепь горных вершин, громоздящихся ввысь и освещенных утренним солнцем.  В пейзаже господствуют бескрайнее пространство и поражающие своей грандиозностью горы. Их нельзя постичь, с ними невозможно слиться: устремленному в бесконечность пространству противостоит замкнутый мир затерявшегося у подножия гор селения с маленькой церковной башней и пустынными вспаханными полями. Современники и соотечественники Фридриха, поэт Новалис и живописец Карус призывали «бросаться в объятья природы», стремясь там найти отклик стремлениям свой мятущейся души. Уходящие к небу горы, предстающие на картине Фридриха в предрассветный час, рождают мысль о томительной, но неосуществимой мечте.
Традиции романтизма сохранил в ранний период своего творчества другой немецкий художник, Филипп Фейт. Он некоторое время учился у Фридриха, но не получил систематического художественного образования. Фейт был также связан с одним из вдохновителей романтического движения в немецкой литературе Фридрихом Шлегелем, спутником жизни его матери. “Женский портрет” был написан Фейтом, вероятно, в Италии в начале 1820-х годов. Он создан как драматическое раздумье о жизни и смерти. На молодой женщине  черное платье, она изображена возле стола, на котором стоит ваза с белыми лилиями и бархатцами. В одной руке женщины молитвенник, другой она поддерживает золотую цепь. Каменную арку обвил виноград. В ее проеме виден горный пейзаж. Справа у невысокой изгороди – подсолнух. Все эти предметы появились в портрете не случайно. Романтики достаточно часто обращались к христианской и традиционной символике. О чистоте молодой женщины говорят белые лилии, о смерти – траурное платье и бархатцы, цветы смерти; виноград, обвивший мертвый камень арки – знак верности после смерти; неизменность долгу символизирует цепь на груди, горные цепи – стойкость духа,  молитвенник и подсолнух говорят об обращенности к Богу.
Во Франции романтизм зародился в 20-е годы  XIX века. Признанной главой французского романтического движения был Эжен Делакруа. Небольшая картина художника “После кораблекрушения” была написана на сюжет поэмы английского поэта-романтика Байрона “Дон Жуан” и имеет второе название “Барка Дон Жуана. Тело выбрасывают за борт”. Кораблекрушению романтики придавали символический смысл. Океан в их воображении был воплощением стихийных сил, волей рока. На эскизе Делакруа бурное море несет маленькую, лишенную руля и ветрил лодку – человеческую жизнь. Эмоциональное воздействие этюда достигнуто не только драматическим сюжетом, но и композиционным строем картины с резкой диагональю лодки, вздымающейся на волнах, и свободным динамичным мазком, повторяющим кипение волн.
Крупнейшим европейским художником рубежа XVIII и XIX веков был испанский живописец Франсиско Гойя. Он был создателем сюжетных композиций и портретов, автором графических офортных серий. В женских портретах Гойя по-новому раскрыл особенности и существо женского характера, стремясь выявить неповторимость облика и внутреннего склада своей модели. “Женский портрет” традиционно считается изображением испанской художницы Лолы Хименес. На это указывают ее рабочие инструменты. За внешне сдержанной позой сидящей женщины угадывается скрытая энергия, эмоциональность натуры испанки.
Поздние годы жизни и творчества Гойи отмечены все более усаливавшимися чертами драматизма. Реакция, наступившая в Испании после изгнания войск Наполеона в 1814 году, возрождение инквизиции, попрание всех демократических порядков, а также усиливавшаяся болезнь наполнили картины Гойи, созданные в начале второго десятилетия XIX века, чувством тревоги, образы приобрели характер трагического гротеска. На картине “Карнавал” ежегодное празднество перед Великим постом происходит на фоне сумеречного пейзажа, пронизанного вспышками дьявольского света. Толпа движется рывками, лица закрывают уродливые маски. Строения напоминают развалины, среди которых совершается разгул темных сил, напоминающий безумный шабаш ведьм.
Значительной фигурой европейского искусства XIX века был французский живописец Энгр. Избранный членом почти всех европейских художественных академий, он был строгим приверженцем академических вкусов и законодателем официального направления живописи во Франции, которое выражало искусство Салона, ежегодных художественных выставок в парижском Лувре, которые проводились со времен Людовика XIV. Картина “Мадонна перед чашей с причастием” была заказана Энгру наследником русского престола, будущим императором Александром II в Риме. Рядом с Богоматерью представлены святые покровители императорского семейства – свв. Николай и князь Александр Невский. Картина, католическая по иконографии (лежащая на чаше гостия не является предметом православного культа), была холодно встречена заказчиком и позднее оказалась в музее Академии художеств
Исторический живописец и портретист Поль Деларош(1797-1856) был одним из живописцев, блиставших в Салоне, где он выставлялся с 1819 года. Работа “Дети короля Эдуарда  IV.” - вариант картины того же названия, написанной в 1831 году и ныне находящейся в Лувре.  Сюжет заимствован из трагедии Шекспира “Ричард  III”. Сыновья английского короля Эдуарда IV Эдуард V, ставший монархом в малолетстве, и его младший брат Ричард, герцог Йорк, были заключены в Тауэр и  там задушены по приказу их дяди, будущего короля Ричарда III, стремившегося к власти.

Зал № 3.
Важное место в европейской живописи XIX века занял пейзаж. Именно в пейзаже ранее всего наметились черты реализма. Развитие пейзажной живописи было связано, с одной стороны, с успехами естествознания, с другой стороны, обращение к образу природы, как носительницы естественного начала, противопоставлялось развивавшемуся урбанизму.
Замечательным мастером французского пейзажа  XIX века был Камиль Коро. Он получил традиционное академическое образование и неоднократно путешествовал в Италию. Пейзаж «Утро в Венеции»(1834) был полностью написан Коро с натуры во время его второго приезда на Апеннинский полуостров. Художник увидел прославленную набережную возле Дворца Дожей ранним утром, в будничный день. Прославленные памятники мало интересуют его. Коро влекут к себе утреннее освещение и пробуждающаяся жизнь города: длинные тени от прохожих, сероватое небо, холодные тона на куполе церкви Санта Мария Салюте и в аркадах библиотеки св. Марка, построенной архитектором Сансовино. Коро пишет одинокого монаха, спящего бродягу. Уже в этом раннем пейзаже раскрылись важные стороны таланта этого художника – чуткость и лиризм в переживании увиденного.
Коро был создателем лирического «пейзажа настроения». «Пейзаж – это состояние души» - такое определение швейцарского писателя Амеля может служить эпиграфом к пейзажному творчеству европейских художников XIX века. «Я хочу передать трепетанье натуры», – говорил Коро. Для зрелого творчества Коро наиболее характерен пейзаж «Порыв ветра», где приближающаяся буря и смятенность чувств одинокого путника сливаются воедино. Тончайшие переходы тонов в пределах одного цвета (валёры), их взаимные сочетания, образующие единую серебристо-жемчужную гамму, изменчивость освещения позволяют Коро передать сложность эмоционального переживания пейзажа. Своеобразное “пейзажное”, созерцательное мировосприятие характеризует и портретное творчество Коро (Портрет Мариетт Гамбе, “Грезы Мариетт”).

Начиная с 1830-х годов, группа художников живописцев во главе с Теодором Руссо (1812-1867) сделали местом своего летнего пребывания деревню Барбизон под Парижем, где они писали виды лесного массива Фонтенбло. Они получили название художников Барбизонской школы. Каждый из этих мастеров обладал своим собственным видением мира, особенной живописной манерой, но всех их объединяла любовь к французской природе и стремление со всей непосредственностью передать ее жизнь. Обратить внимание на работу Теодора Руссо “В лесу Фонтенбло”, которая долгое время принадлежала И.С. Тургеневу и висела в его кабинете над рабочим столом.
Среди работ художников-барбизонцев обратить внимание на пейзажи Шарля Франсуа Добиньи  (1817-1877), который был близок Коро своим восприятием природы. Но если Коро был поэтом природы, до Добиньи – рассказчиком и хроникером, который, соорудив лодку-мастерскую, много путешествовал по Сене и Уазе.
Зал № 4. Курбе. Милле. Домье.
Пейзажным творчеством представлен в собрании музея крупнейший французский мастер-реалист Гюстав Курбе (1819-1877). Курбе обратился к пейзажу в 1860-е годы. Образ природы на картинах художника отличен и от романтиков, и от барбизонцев. Курбе влекла к себе в первую очередь материальная сила природы, ее извечная сущность. Не изменчивая и бурная стихия моря, как у романтиков, но бескрайное величие морских просторов, тяжелая масса скал и валунов были главным предметом изображения у Курбе (“Море”). Высокими живописными качествами выделяется пейзаж “Хижина в горах”, написанный в Швейцарии, куда Курбе был вынужден эмигрировать после поражения Парижской коммуны.
Поэтом французского крестьянства, его патриархального быта, тяжелого повседневного труда был Франсуа Милле (1814-1875). “Я крестьянин и ничего больше”, - говорил о себе художник. Милле также работал в Барбизоне в 1850-х годах. Там была написана картина “Собирательницы хвороста”.
Одним из выдающихся мастеров французского искусства  XIX  века был Оноре Домье (1808-1879), график, литограф, карикатурист, лишь изредка обращавшийся к живописи. На творчество Домье определяющее влияние оказали революционные события во Франции в 1830 и 1848 году.  Картина “Восстание” была написана вскоре после  революции 1848 года и передает с необычной экспрессией безудержный порыв восставших. Живя на набережной острова Сен-Луи в Париже, Домье наблюдал труд прачек и написал серию работ, где образы этих тружениц поражают монументальностью и пластической силой.

Зал № 5. Парижский Салон и европейская живопись середины  XIX  века.
Одной из наиболее престижных  художественных экспозиций в Европе  XIX века был ежегодный парижский Салон. Отбор произведений производился специальным жюри, образованным по постановлению правительства. В XIX столетии подобные Салоны существовали и в других крупнейших художественных центрах Европы. Салонная живопись стремилась к внешней эффектности, отличалась определенной поверхностностью в выборе и трактовке сюжетов, “лощеной” живописью. Салонные живописцы писали картины на исторические и бытовые темы. Углублявшийся в связи с успехами исторической науки интерес к прошлому породил своеобразный “историзм” в архитектуре и искусстве середины XIX века, стремление к точному воспроизведению реалий изображаемой эпохи.
В собрании музея представлены наиболее известные художники, определявшие лицо парижского Салона - ученик Делароша Жан Леон Жером (1824-1904), Кабанель, Тома Кутюр (1815-1879).
Жером. Царь Кандавл. Ок. 1859 г. Сюжет заимствован у древнегреческого историка Геродота. Лидийский царь Кандавл восхвалял прелести своей супруги. Он позволил своему телохранителю Гигу увидеть ее обнаженной в опочивальне. Гиг неосторожно выдал себя шумом. Оскорбленная женщина предложила Гигу либо заплатить жизнью за дерзость, либо убить Кандавла и жениться на ней. Гиг избрал последнее и стал  царем.
Типична для салонного искусства также картина одного из столпов академизма Тома Кутюра “После маскарада”.
Характерна также работа английского художника голландского происхождения Лоуренса Альма Тадемы, также выставлявшегося в Салоне, “Фредегонда у одра епископа Претекстата”. Сюжет заимствован из “Истории франков” раннесредневекового писателя Григория Турского. Прославившаяся своим коварством и жестокостью франкская королева Фредегонда преследовала епископа Претекстата, обвинявшего ее в злодеяниях, и решила убить его. На смертном одре епископ проклял жестокую королеву.
Большой успех у публики в Салоне 1853 года имела картина немецкого художника Людвига Кнауса (1829-1910) “Утро после праздника”, написанная им в парижской мастерской.
Несколько в ином ключе исполнены картины живописца и историка искусств Эжена Фромантена (1820-1876) “В ожидании переправы через Нил”, которая возникла после путешествия художника в Египет, куда Фромантен был приглашен на открытие Суэцкого канала, и работы крупнейшего испанского художника середины XIX века Мариано Фортуни-и-Карбо (1838-1874) “Любители гравюр” и “Заклинатели змей”. Последняя картина была создана под впечатлением пребывания художника в Северной Африке.
Залы № 6-7. Бастьен-Лепаж  реализм.
В следующем зале представлены произведения художников-реалистов, работавших в последние десятилетия XIX века.  Она часто предпочитали работать вдали от столицы и там искать новых впечатлений.  Новые художественные течения, захватившие Францию и другие страны Европы, не могли не отразиться на их творчестве,  они восприняли ряд новых живописных и художественных приемов Показательна картина французского живописца Жюля Бастьен-Лепажа (1848-1884)  “Деревенская любовь” (1882). Сын зажиточного французского крестьянина Бастьен-Лепаж учился в парижской Школе изящных искусств у салонного художника Кабанеля, но навсегда остался верен в своих сюжетных произведениях крестьянской теме. “Нет ничего лучшего, чем правда” - говорил художник. - Следует писать то, что знаешь и любишь. Я  вышел из лотарингской деревни, и я буду в первую очередь писать крестьян и пейзажи моей родины”. Картина “Деревенская любовь” была написана художником в зрелые годы. На фоне пейзажа с хмурым небом влюбленный деревенский парень, опершись на изгородь, с трудом объясняет свои чувства соседней девчушке с двумя короткими косичками. Стоя спиной к зрителю, она смущенно вертит в руке подаренный ей цветок, не находя ответного чувства. Гаснущие краски осени усиливают грустное звучание этой сцены.
Искусство Бастьен-Лепажа высоко ценили немецкие живописцы, в России его работами восхищались Валентин Серов и Михаил Нестеров, писатель Лев Толстой.
В зале представлены также работы венгерского живописца Михая Мункачи (1844-1900), немецких художников Франца фон Ленбаха (1836- 1904) и крупнейшего представителя немецкого искусства XIX  века, живописца и графика Адольфа Менцеля (1815-1905), написанные им после пребывания в Париже («В Люксембургском саду» и «Странствующий цирк»), бельгийского скульптора и живописца Константена  Менье (1831-1905) – «Завтрак служанки»
Второй этаж.
Зал № 8. Мане. Дега. Тулуз-Лотрек. Форен
Провозвестником нового движения во французской живописи был Эдуард Мане (1832-1883). Главным героем Мане стал горожанин, его жизнь на улице, за городом, в театре или кафе, сам ритм современного города. Это цепь характерных, метко подмеченных, подчас неожиданных ситуаций. Картина “Кабачок” - остро схваченная сценка в парижском кафе на площади Монсей. В ней доминирует фигура довольного собой курильщика, а весь антураж передан обобщенно, эскизно, намеком Свободный мазок, сопоставление цветовых и световых пятен, высветленная палитра усиливают сиюминутность и оптический эффект восприятия.
“Портрет Антонена Пруста” изображает друга художника, живописца и журналиста, политического деятеля и министра. Это - один из вариантов портрета, который художник писал много раз. Мане сумел уловить характер этого уверенного в себе, умного и изящного светского человека.
Два женских портрета, исполненных Мане в поздний период жизни завершают экспозицию его картин – “Мари Лоран с моськой” и портрет испанской танцовщицы Розиты Изабель Маура”. Мари Лоран была артисткой оперетты и варьете, подругой поэта, теоретика и главы французского символизма Стефана Мальарме (1842-1898). В ее салоне собиралась вся парижская богема. Эти картины были созданы Э. Мане в годы, когда, оставаясь независимым, он сблизился с группой художников, объединившихся в 1873 году в “Анонимное общество живописцев, скульпторов и графиков”, получивших позднее название импрессионистов. Участником этой группы был выдающийся художник Эдгар Дега (1834-1917), который занимал особое место в группе импрессионистов. Он не работал на пленэре, предпочитая писать по памяти, большое внимание уделял рисунку. Главная тема искусства художника – человек в сфере его профессиональной деятельности, в жизни большого города. Театр, скачки, обнаженная натура были любимыми темами художника. Как и импрессионисты, Дега стремился запечатлеть неповторимость каждого мгновения, но во взгляде художника на мир больше холодного анализа, скепсиса и горечи. В сценах скачек Дега любил изображать не сами бега, но подготовку к ним (Проездка скаковых лошадей, 1880). Значительную часть произведений художника составили балетные сцены. Однако феерия спектакля редко увлекала Дега, он ведет зрителя в репетиционный зал или коридоры театра (“Танцовщицы на репетиции”), либо заглядывает в холодное фотоателье, где балерина ищет эффектную позу для театрального снимка (“Танцовщица у фотографа”). Шедевром Дега являются пастель “Голубые танцовщицы”, созданные в самом конце XIX века. Мечта и реальность, магия танца и будни кулис, праздник и одиночество слились воедино в этой картине. Взгляд брошен сверху, пол и декорации утратили свои очертания, вечерними сумерками засветились в преобразующем свете софитов платья танцовщиц. Их движения слились в кантилену танца, с тем чтобы обернуться житейской прозой: танцовщица на переднем плане завязывает туфли, другая поправляет бретели, третья проделывает экзерсис и как бы вновь начинает танец, который длится в полуреальном, полуфантастическом мире.
В 1880-е годы Дега создал серию работ пастелью “За туалетом”, которая была показана на последней выставке импрессионистов в 1886 году. К ним принадлежит пастель “Вытирающаяся женщина”. Дега представлял свои модели обнаженными в реальной и будничной обстановке – моющимися, вытирающимися, причесывающимися. “Я изображаю их… без прикрас и восторга”, - говорил художник. Обнаженные Дега лишены тепла, которое исходит от женских образов на картинах Ренуара, но их отличает преклонение перед человеческим телом, тончайшая цветовая гамма.
Жан Луи Форен (1852-1931) многие свои произведения создавал под непосредственным влиянием искусства Дега, но не достигал глубины и сложности образов своего учителя.
Влияние Дега испытал также рисовальщик и литограф Анри де Тулуз-Лотрек (1864-1901). Редкое для российских собраний произведение художника “Певица Иветт Гильбер”, изображает певицу кабаре перед отъездом в Лондон. Она исполняет песенку “Linger, longer, loo”. Портрет  был сделан Тулуз-Лотреком для обложки журнала “Рир”. Иветт Гильбер прожила долгую жизнь и скончалась в 1944 году.
Зал № 9. Моне.
Сказать, что главой импрессионистического движения был Клод Моне (1840-1926).  Творчество этого художника представлено произведениями разных периодов. Большую ценность представляет ранняя работа художника “Завтрак на траве”, написанная в 1866 году. Она дает целостное представление о произведении, позднее уничтоженном художником (фрагменты хранятся в музее Орсэ в Париже). Это либо эскиз, либо авторское повторение в уменьшенном масштабе большой картины, которая была задумана для выставки в парижском Салоне.
Моне решил создать гигантское полотно (4,2х 6,5 м), дабы “жюри Салона не повесило ее куда-нибудь под потолок”. Летом 1865 года вместе со своей девятнадцатилетней возлюбленной Камиллой Донсье и другом Базилем, с которым он делил мастерскую, Моне отправился в лес Фонтенбло. Его друзья, терпеливо стоя, сидя или лежа, позировали ему для всех фигур. Осенью Моне в своей парижской мастерской начал переносить эскизы на большое полотно. Но незадолго до открытия Салона Моне был вынужден признать, что картина не закончена. Он забросил ее, а потом разрезал на несколько фрагментов.
Моне изобразил по последней моде одетое парижское общество на лесной поляне, куда оно выехало на пикник с вином, фаршированной курицей и тортами. Моне мало волнуют взаимоотношения горожан, их позы случайны и мимолетны. В большей степени живописца влекут к себе игра солнечных пятен в листве, цветные рефлексы на одежде и лицах людей. Главным героем картины стал пронизанный солнечным светом воздух. Уже в этой работе предопределился интерес  Моне к пейзажу, который стал главной темой его творчества.
На первой выставке импрессионистов, состоявшейся в 1874 году в помещении фотоателье фотографа и воздухоплавателя Надара, фигурировало полотно “Бульвар Капуцинок в Париже”. Здесь ощутимо новаторство Моне, вызвавшее негодование у современных ему критиков. Парижский бульвар увиден как бы случайно, с верхнего этажа дома, откуда открывается панорама улиц. Но рама картины, подобно фотографическому кадру, выхватывает только часть бульвара, срезает фигуры мужчин на балконе.  Толпа и деревья написаны эскизно, Вибрирующим точечным мазком передает Моне мгновенное впечатление от волнообразного, ни на одно мгновение не останавливающегося потока прохожих и экипажей в туманной дымке зимнего дня на светском бульваре Капуцинок. Зритель получает впечатление - impression - от целого, не задерживаясь на отдельных фигурах и деталях. “Если нужно одним словом охарактеризовать их намерения, то следует создать новое понятие - импрессионисты. Они импрессионисты в том смысле, что они передают не пейзаж, но вызванное им впечатление”, - писал критик Жюль Кастаньяри. Исходным для появления этого термина послужило название одной из картин К. Моне, демонстрировавшейся на той же выставке: Impression. Soleil levant (Впечатление. Восход солнца).
Важное место в искусстве К. Моне занимали морские пейзажи. “Море - его подлинное призвание”, - писал о Моне критик Мирбо. Моне впервые был захвачен изменчивой и суровой стихией морских просторов на побережье Нормандии. Полотно “Скалы в Бель-Иль”  особенно ярко раскрывает живописный метод Моне. Цвет уже не принадлежит предмету, но является суммой различных световых и цветовых рефлексов и эффектов.  Художник стремится, отказавшись от светотени, добиться оптического впечатления при восприятии чистых красок, положенных рядом на полотно мелкими мазками. Вибрирующие штрихи различных оттенков, подобно преломившимся в каплях воды тонам солнечного спектра, рождают впечатление влажной поверхности скал, пенящегося моря, розоватого от соседства зеленой воды неба.
Интерес Моне к передаче изменчивости освещения  и меняющейся игре красок ярче всего раскрывается на сопоставлении двух картин из серии “Руанский собор”, над которой художник работал более двух лет, создав более двадцати вариантов («Руанский собор утром» и «Руанский собор вечером»).
В зале представлены также работы крупнейшего французского скульптора конца XIX века Огюста Родена. Они связаны с выполнением двух крупных заказов - бронзовых дверей для неосуществленного проекта Музея декоративных искусств в Париже (начат в 1880 г.)
Основой для композиции “Врат ада”, как назвал Роден свое произведение в противоположность “Райским вратам” Гиберти во флорентийском баптистерии (XV в), послужила первая часть “Божественной комедии” Данте. Хотя проект дверей не был осуществлен, Роден продолжал в дальнейшем работать над различными вариантами отдельных групп. В этих композициях скульптор сумел передать все оттенки чувств и страстей своих героев, подхваченных адским вихрем человеческих судеб. Это нежный и страстный “Поцелуй” и цветение любовного чувства (“Вечная весна”),
Зал № 10. Ренуар. Писсарро. Сислей.
В конце 1860-х гг. Моне часто работал, в местечке под Парижем, где находились купальни и маленькие рестораны, прозванном Лягушатником, вместе с другим замечательным представителем импрессионизма Огюстом Ренуаром (1841-1919). Вид этого излюбленного парижанами места отдыха и развлечений, о котором писал Мопассан, представлен на картине Ренуара “Купание на Сене”. В свободной эскизной манере пишет художник солнечный день, толпу на берегу, парусники и купальщиков. Среди общего возбужденного движения глаз Ренуара остро подмечает случайно вступившую в разговор немолодую пару на переднем плане, грацию и заинтересованность происходящим женщины с синим зонтиком и пресыщенное равнодушие ее кавалера в цилиндре.
В отличие от Моне, Ренуар мало работал в жанре пейзажа, его главным объектом изображения оставался человек и счастливые, мимолетные мгновения его жизни (“В саду. Под деревьями Мулен де ла Галетт”, где Ренуар изобразил своих друзей, художников К. Моне и А. Сислея, а также натурщиц).
Шедевром Ренуара является портрет актрисы театра Комеди Франсэз Жанны Самари. Образ артистки излучает обаяние молодости (ей было тогда 20 лет) и пленяет своей женственностью. Она живет в мягкой полуулыбке, в чуть усталых, влажных глазах. Чувственное очарование звучит и в холодных тенях, касающихся ее обнаженных плеч, в ликующей радости звучного аккорда зеленых и розовых тонов, виртуозно сгармонированных художником.
Женские образы заняли центральное место в искусстве Ренуара. В своих “ню” он вернул обнаженному женскому телу его естественную красоту, освободив изображение обнаженной натуры от академической рутины и мифологического флёра. Ренуар не скрывал, что пишет не богинь, а натурщиц. Чувственное очарование и живое дыхание человеческой плоти, которую окружает  холодноватый воздух, передал он в картине “Обнаженная”. “Художнику недостаточно демонстрировать свое умение. Должно быть видно, что он ласкает холст”, - говорил Ренуар. Тончайшие переливы перламутровых отливов красок позволили назвать эту картину “Жемчужина”.
Мастерами импрессионистического пейзажа были Камиль Писсарро (1830-1903) и англичанин Альфред Сислей (1839-1899), поселившийся во Франции. Мгновенное очарование красотой мира ощущается в мокрых от тающего снега и блестящих в затуманенном солнце крышах “Оперного проезда” Писсарро и тонких лирических работах Сислея, передающих свежесть морозного утра в Лувенсьенне и в саду Гошеде.
Зал № 11. Ван Гог. Неоимпрессионизм.
В 1880-е годы импрессионизм стал уступать место художникам нового поколения, которых американский исследователь Роджер Фрей назвал в 1910 году постимпрессионистами. Постимпрессионисты не представляли единого стилистического направления.
На путь научного обоснования в свете новейших достижений оптики открытий импрессионистов в области живописной передачи освещения вступили Альфред Сёра и Поль Синьяк (1863-1935). Картина Синьяка “Песчаный берег моря в Сен Бриаке” изображает северное побережье Бретани. Она входит в серию картин “Море”, задуманную как музыкальная сюита. Синьяк пишет свои картины техникой раздельного мазка, добиваясь впечатления преломляющихся лучей солнечного света на раскаленном песке. Его поздние работы, передающие красочное богатство природы французского Юга (“Сосна. Сен Тропезе”), напоминают мозаику.
Одной из наиболее трагических фигур в искусстве конца  XIX века был Винсент Ван Гог (1853-1890). Он родился в Голландии. Разуверившись в миссии христианского проповедника, на пороге тридцатилетия он начал заниматься живописью. В 1886 году Ван Гог приезжает в Париж, где открывает для себя искусство импрессионистов, японскую гравюру. Через два года он уезжает на юг Франции в Арль, где судьба свела его с Гогеном. Там была написана картина “Красные виноградники в Арле” (1888), где художник стремился “выразить… пыл души блеском заходящего солнца”.
В произведениях Ван Гога царит эмоциональная напряженность. Предзакатный пейзаж вовлечен в круговорот космических сил. Раскаленный диск солнца, завершая день, кажется, сжигает утомленную зноем природу: виноградники, как пожаром, охвачены осенним багрянцем, кроны деревьев уподоблены клубам дыма, река кажется расплавленной магмой. Круговорот в природе подчеркивает и круг сборщиц винограда, голубые и сиреневые тени на переднем плане, сулящие покой и отдохновение.
Служение искусству представлялось Ван Гогу нравственным долгом. Написать картину значило для него прожить жизнь. Нервное перенапряжение, ссора с Гогеном, невозможность воплотить в жизнь мечту о братстве художников привели к началу душевной болезни. Во время пребывания в клинике были созданы “Портрет доктора Рея” (1989) и “Прогулка заключенных” (1890), где в числе арестантов, ходящих по нескончаемому кругу, художник изобразил себя.
“Пейзаж в Овере после дождя” (1890) был создан незадолго до смерти художника. Мир умытой дождем природы, увиденный с высокой точки зрения, трогательно чист, прозрачен и светел. Он пронизан огромной жаждой жизни, которая, несмотря на весь трагизм судьбы, жила в душе Ван Гога. Гимн бесконечному пространству и чуткому единению с огромным и многообразным миром звучит в дробном стуке колес далекого поезда, в неторопливой поступи лошади, идущей по мокрой дороге. Им наполнены движения сбрасывающих дождевые капли листьев деревьев, кроны которых написаны сочными мазками, зеленые поля, уходящие к горизонту,
Залы 12 и 13. Европейская живопись второй половины  XIX века.
В залах представлено искусство европейских художников, работавших или живших в Париже с конца 1870-х годов. Выходцы из разных стран образовывали интернациональные колонии, наиболее крупная из них находилась в деревушке Гре де Луан под Парижем. Импульсы, полученные в Париже, эти художники перерабатывали, объединяли с художественными традициями своих стран. В их среде зарождались и многие направления, определившие лицо европейского искусства на рубеже столетий. Назвать имена наиболее известных из выставленных в зале живописцев –  шведа Андерса Цорна, немца Макса Либермана, американки Мери Кессет. Обратить внимание на картину норвежца Эдварда Мунка “Белая ночь” (“Девушки на мосту”). Сказать, что это один из вариантов трактовки сюжета, к которому неоднократно обращался художник. Картина была исполнена Мунком для парижского Салона 1903 года, где ее приобрел русский коллекционер Михаил Абрамович Морозов.
Зал № 14. Искусство Сезанна.
Собрание картин Поля Сезанна (!839-1906)  – одно из наиболее обширных в музее  и включает 14 полотен, среди которых можно видеть ранние работы художника (“В комнатах”, начало 1860-х гг.) и выполненные незадолго до смерти (“Гора св. Виктории”, 1905).
Сезанн – тип художника-мыслителя, предпочитавшего не говорить, а “мыслить с кистью в руке” (Э. Бернар).  Таким он предстает на “Автопортрете”, исполненном в начале 1880-х гг.  Это волевой человек со взглядом мудреца и высоким лбом, напоминающим купол. Но Сезанн изображает не характер, а выявляет структуру головы, сочетание геометрических форм, ищет нечто вечное во всех явлениях природы.
В ранние годы связанный с импрессионистами  (он многое почерпнул, работая вместе с Писсарро в Понтуазе, о чем свидетельствует картина Сезанна “Дорога в Понтуазе”), Сезанн не был удовлетворен стремлением импрессионистов передать мимолетность мгновения, он желал запечатлеть постоянное и вечное, не видимость, но субстанцию предмета. Наиболее ярко это стремление раскрылось в излюбленном жанре Сезанна – натюрморте. Картину “Персики и груши” отличает рациональность композиции, подчеркнутая геометризация форм, которые он сопоставляет между собой, как различные видоизменения материи, напряженность пространственных решений.
Извечную сущность бытия Сезанн стремится передать и в своих пейзажах. (Показать их комплексно, дав общую характеристику).  Взгляд художника на природу сродни взгляду геолога, знающего свойства минералов и тысячелетнюю историю земных пластов, В пейзажах Сезанна нет человека, здесь царит уплотненное пространство, поднимаются тысячелетние горы, стоят древние акведуки («Акведук», 1885-1887). Художник спрессовывает время, соединяет прошлое и настоящее, смешивает близкие и дальние планы, лишает зрителя единой точки зрения на пейзаж и одновременно ритмически упорядочивает движение взгляда по картине, выявляя логику и гармонию мироздания («Пейзаж в Эксе, Гора св. Виктории». 1905)
Те же качества характеризуют и сюжетные работы зрелого Сезанна. Прославленным шедевром художника в собрании музея является картина “Пьеро и Арлекин”. Герои художника – маски масленичного карнавала и итальянской комедии дель арте, олицетворения активной и созерцательной жизни, темпераментного и удачливого человека и неудачливого меланхолика. Черно-красный ромбовидный орнамент трико Арлекина символизирует игру пламени на углях и вносит в образ инфернальные черты. В фигуре Пьеро, напротив, все кажется неустойчивым и хрупким – расслабленная поза, белый балахон, сделанный скорее из хрупкого фарфора или гипса, чем из эластичной ткани. Ярмарочные маски – необычная тема в искусстве Сезанна, но картина одной из первых поставила проблему судьбы художника, артиста в современном ему мире.  В образе Арлекина художник изобразил своего сына Поля, моделью для Пьеро служил друг Поля  Луи Гийом.
В зале выставлена работа Антуана Бурделя (1861-1929) “Танец с покрывалом”. Художественный стиль Бурделя сформировался в мастерской Родена.  Скульптор  стремился отойти от строгих классических форм и, как многие его современники, искал вдохновение в древних и архаических культурах.  “Танец с покрывалом” рождает воспоминание о греческой архаике и об искусстве этрусков.
Зал № 15. Гоген
Поль Гоген (1848-1903) – один из наиболее ярких художников конца  XIX века. Парижанин с примесью перуанской крови, моряк и удачливый маклер, но мятущийся, неудовлетворенный жизнью человек, он в сорок лет обратился к искусству. Гоген искал воплощение своей мечты в древнем искусстве и культуре первобытных народов.
В собрании музея представлено 14 полотен Гогена. Наиболее раннее из них  - “Кафе в Арле”. Оно было создано на юге Франции, где Гоген работал вместе в Ван Гогом. До этого художник брал уроки у Сислея и Писсарро, жил на севере Франции в Понт-Авене, где его привлекло средневековое романское искусство.
Мир, предстающий на картине “Кафе в Арле”, полон таинственного смысла. Гоген ощутил провинциальную скуку привокзального ресторанчика, с прокуренной атмосферой, вульгарными посетителями и огромным пустым бильярдным столом посредине. Главный акцент художник перенес на фигуру арлезианки, хозяйки этого заведения, мадам Жину. На ее лице – печать загадочности и сокровенного знания тайн этой обыденной провинциальной жизни. Картина демонстрирует выработанный Гогеном в Понт-Авене упрощенный и декоративный стиль: краска ложится большими плоскостями, контуры фигур и предметов обрели орнаментальную выразительность.
В “Автопортрете”, созданном в конце 1880-х годов, Гоген наделил себя чертами пророка, жаждущего утверждать свои взгляды. Художник остро ощущал противоречия окружающего мира, отразившиеся на его личной судьбе, чувствовал водораздел в развитии европейской цивилизации на пороге ХХ века, с ее растущим урбанизмом и механизацией. Ради обретения естественности и гармонии с миром он в 1891 году уезжает на остров Таити и остается в Океании, за исключением короткого перерыва, до конца своей жизни.  Здесь среди экзотической природы тропиков он стремился оплодотворить европейскую художественную традицию языческой мудростью таитян.
Среди первых произведений, созданных Гогеном в тропиках, - “Пейзаж с павлинами”. Картина являет райский уголок, отгороженный высокими горами от остального мира, здесь поднимаются пальмы с изумрудной зеленью и бродят павлины, а полуобнаженный мужчина пребывает в единении с миром. На картине видно таитянское слово “матамое”, означающее смерть. В своем дневнике, изданном под названием “Ноа Ноа”, Гоген записал, как однажды утром он отправился вместе с молодым таитянином рубить деревья и внезапно ощутил в себе гибель европейца и рождение дикаря. Главный герой картины - таитянин с топором. “Мужчина, - пишет в своем дневнике Гоген, - изящным и гибким движением поднимает обеими руками тяжелый топор, оставляющий наверху синий отблеск на серебристом фоне неба...”
Одно из лучших произведений Гогена первого таитянского периода – “А, ты ревнуешь?” Картина пронизана солнцем, зноем обнаженных темно-золотистых тел, вырисовывающихся на розовом песке пляжа, среди изумрудной зелени и цветных теней на поверхности воды.
Искусство Гогена полно скрытой символики, которая выступила еще более явственно в картинах, созданных во второй  период пребывания в Океании, куда он возвратился после короткой поездки в Париж.
Картину “Королева” (“Жена короля”) уже современники относили к числу лучших созданных живописцем произведений. В центре полотна в позе  Олимпии на известной картине Эдуарда Мане  лежит обнаженная женщина, “жена короля”, таитянская Ева, которая держит в руке красный веер, знак королевского рода и символ обольщения. Моделью Гогену служила его таитянская жена. Позади нее райское “древо познания”, вокруг ствола которого обвился змей. Два старца ведут разговор, слева женщина срывает запретный плод. Деревья на картине – плод воображения художника, они символизируют рай. Спелые плоды с обнаженными семенами говорят о вечном зарождении и продолжении жизни, олицетворением которой служит и обнаженная женщина. Яркие, насыщенные краски сообщают полотну величавое и таинственное звучание. “Мне кажется, писал Гоген Даниэлю де Манфреду в Париж, - что по цвету я еще никогда не создавал ни одной вещи с такой сильной торжественной звучностью”.
После возвращения из Парижа в Океанию в искусство Гогена всё настойчивее вторгается мысль о смысле жизни, о предназначении человека. Об этом свидетельствует картина “Сбор плодов”, примыкающая к работам под общим названием “Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?” Надпись на картине, сделанная рукой художника, в переводе значит “чудесный край”. Но это не пейзаж Океании, а символическое изображение круга человеческой жизни: справа на переднем плане собака со щенками – начало жизни. Три женские фигуры на горящем желто-золотом фоне – три возраста, каждому из которых соответствуют цветы и плоды. Черный всадник – смерть.

Залы № 16-17. Искусство символизма. Группа “Наби”
Экспозиция следующих залов включает работы художников, работавших параллельно с импрессионистами, и их последователей. Одним из направлений европейского искусства 1870-х-1910-х годов был символизм. Художники этого направления стремились противопоставить рационализму своего времени и реализму в искусстве мир непознаваемого, скрытых символов и намеков. Реальность была для них лишь отправной точкой для выявления неподвластных человеку сил,  их влекли “юные грезы, видения, воспоминания, нереальные создания фантазии”. Символизм отразился в поэзии (Бодлер, Мальарме, Рембо), в философии, музыке.
Одним из главных представителей символизма во французской живописи был Пьер Пюви де Шаванн (1824-1898). Он мечтал о возрождении монументального искусства и создал ряд настенных росписей. В духе библейской притчи написана картина “Бедный рыбак”, эскиз к которой хранится в музее. Герой картины - несчастный вдовец, оставшийся с двумя детьми, один из которых новорожденный. Уходящий вдаль речной пейзаж, блеклый колорит подчеркивают одиночество человека, придают событию вневременное звучание.
Эстетика символизма определила творчество Одилона Редона (1840-1916). Пастели Редона, хранящиеся в музее, являются вариантами и эскизами, связанными с монументальными произведениями. В композиции “Весна” (1910) использованы характерные для Редона образы - обнаженной богини (Андромеда?) и мотив дерева, символического знака вечной природы и бессмертия. Пробуждающаяся весенняя природа сопоставлена художником с распрямляющейся женской фигурой.
Крупным объединением живописцев, возникшем в конце 1880-х годов, была группа “Наби”. Название происходит от древнееврейского слова  “пророк”. Ее теоретиком был Морис Дени (1870-1943). Художники группы “Наби” мечтали об искусстве будущего, идеальном и возвышенном, монументальном и декоративном. Сильное влияние оказало на них искусство Поля Гогена. В картинах Дени сосуществуют миф и реальность: среди современных купальщиков появляется  античный киклоп Полифем («Полифем», 1907), а на нормандском берегу появляются идиллические образы древней пастушеской поэзии. (“Зеленый берег моря,” 1909). Картины были созданы по заказу И.А. Морозова для украшения его особняка на Пречистенке.
Для работ двух  крупных представителей группы “Наби” Боннара и Вюйара характерно обращение в их декоративных полотнах к миру природы, семейным радостям. В основе картин Боннара всегда лежит реальное наблюдение, его картины близки по колориту классическим шпалерам, большое внимание художник уделяет красочному пятну, экспериментирует с пространством (“Зеркало над умывальником”, 1908, где реальный интерьер сопоставлен с его отражением в зеркале). Искусство Вюйара лиричнее и интимнее, чем у Боннара, это камерные сцены в саду или интерьере, где персонажами являются близкие художника. Эмоционально насыщены яркие декоративные произведения Кер-Ксавье Русселя.
В зале выставлено выполненное в мраморе изображение Евы,  созданное Роденом. Оно связано с проектом “Врат ада”. Образ Евы пронизан стыдливым смятением, отчаянием и беззащитностью. Роден был выдающимся портретистом. Он был лично знаком с Виктором Гюго и работал над памятником в его честь. Портретный мраморный бюст  Гюго (около 1883 г.) доносит облик этого неукротимого романтика, похожего, по словам Родена, одновременно на Геракла и на старого льва.
Портрет Густава Малера, австрийского композитора и дирижера создан скульптором в последние годы жизни музыканта. Когда он, тяжело больной, был прикован к постели.  В позе головы, словно лежащей на подушке, и одновременно обращенной к небу, в одухотворенном лице Малера - всё величие духа и вся драма этого великого мастера-симфониста.
Третий этаж.
Залы 18-19. Искусство первой половины  ХХ века. Фовизм.
Этот раздел экспозиции Галереи знакомит с искусством ХХ века. Первым новаторским течением этого времени был фовизм. В 1905 году группа живописцев, в которую входили А. Дерен, М. Вламинк, А Матисс, Ж. Руо и другие отказались от многослойной живописи и предпочитали писать свои произведения чистым цветом. За дерзкое сочетание красочных созвучий они получили название фовистов (от французского  fauve - дикий зверь в клетке). Через два года группа распалась, и каждый из художников пошел своим путем.
В ранний период творчества Дерена в его искусстве доминирует пейзаж. Полотно “Рыбачьи лодки” (“Просушка парусов”), созданное в 1905 году, написано чистым цветом, тени полностью отсутствуют. Контрастное сочетание красного, желтого и синего с белой грунтовкой холста создает впечатление пейзажа, залитого светом яркого южного солнца.
Напротив, в работах Мориса Вламинка доминирует напряженность эмоционального переживания и скорость восприятия увиденного (Вламинк был страстным автомобилистом). Один из современников заметил, что в произведениях Вламинка природа словно насторожилась перед катастрофой, в ней всегда ощущается гроза (“Баржи на Сене”, написанные в пригороде Парижа Шату).
Мастером поэтического пейзажа  первой половины ХХ века предстает Альбер Марке (1875-1947). Лирически воспринят Марке Париж. Страстный путешественник, он оставил также тонко почувствованные пейзажи Средиземноморья. Марке присущ особый “минимализм” выразительных средств, но каждая линия и мазок у него продуманы. Он пишет широко и свободно, сквозь краску местами просвечивает холст. Точно найденные красочные сочетания передают атмосферу весеннего и зимнего Парижа, теплого вечера в Неаполитанском заливе, свежего морского ветра.
В залах выставлены также работы Жоржа Руо “Купание в озере”, наполненное чуждым фовистам трагическим звучанием, и Кеса ван Донгена, голландского художника, который с 1897 года жил в Париже. Вслед за Тулуз-Лотреком он обратился к миру парижского полусвета, завсегдатаев кафе-шантанов, певичек и танцовщиц. Картина “Дама с черной перчаткой” демонстрировалась в России в 1908 году на выставке “Золотое руно” и тогда же была куплена коллекционером С. А. Поляковым.
Залы № 19-20. Матисс.
Крупнейшим живописцем Франции первой половины ХХ века был Анри Матисс (1868-1954).  Он получил хорошее художественное образование, тщательно изучал опыт художников второй половины XIX века, знал своих современников, поездки в Алжир и Марокко познакомили его с искусством арабских стран. В 1911 году Матисс по приглашению С.И. Щукина приезжал в Россию. Собрание музея дает возможность проследить эволюцию творчество художника с ранних его произведений, в которых ощутимо влияние Шардена (“Бутылка схидама”, 1896 г.) до зрелых полотен 1910-х годов, когда сложился стиль мастера, и поздних работ, подаренных музею его секретарем и помощником Л.Н. Делекторской (“Натюрморт. Раковина на черном мраморе”. 1940 г.).
Следует выделить три шедевра Матисса “Красные рыбы”. “Марокканский триптих” и  три произведения, составляющие композицию “Мастерская”.
Натюрморт “Красные рыбы” был написан художником в 1912 году. Матисс стремился создавать “искусство гармоничное, чистое и спокойное, искусство, которое приносит успокоение, умиротворение души”. Такое душевное состояние нередко рождается при длительном созерцании. Оно определяет характер натюрморта  “Красные рыбы”  Центр композиции занимает цилиндрический аквариум, в котором чутко застыли красные рыбки. Наблюдение за ними снимает напряжение, взор становится менее острым, реальные предметы обретают особую жизнь. Зелень зимнего сада, просвечивающая сквозь стекло и воду, узор листьев домашних растений постепенно переходит в орнамент обоев на стене. Пространство спрессовывается, распластывается на плоскости.
Так называемый “Марокканский триптих” был составлен художником для коллекционера И.А. Морозова из картин, созданных во время путешествия в Северную Африку.  Он донес увлечение Матисса Востоком, его пряной атмосферой, слиянием мечты с реальностью  Синие тени за распахнутым окном в Танжере рождают ощущение утренней свежести и знойного юга. В медлительном полузабытье африканского полдня возникает на террасе фигура Зоры,  служившей в отеле “Вилла де Франс” и позировавшей Матиссу, подле которой застыли в прохладной воде аквариума чуткие рыбки. Прозрачный воздух и легкие тени от мавританской арки наполняют вход в старую часть города, касбу.
Композиция триптиха “Мастерская” была создана уже в экспозиции Музея нового западного искусства в 1929 году. Первой, в 1911 году, возникла  “Розовая мастерская”, представляющая тип так называемых “симфонических интерьеров” Матисса. “Уголок мастерской” и “Настурции. Панно “Танец” возникли как парные годом позже. “Мастерская” была написана в ателье художника в Исси-ле-Мулино. Здесь можно видеть его работы - декоративную бронзовую фигуру, картины “Роскошь” и “Девушка с зелеными глазами”, часть панно “Танец”. Картина залита ярким светом, который делает цветным окружающий воздух. В радостном сиянии красок царит дух творчества. “Уголок мастерской” холодноватыми красками рождает представление о раннем утре, “Настурции. Панно “Танец” - о сгущающихся сумерках. Хоровод обнаженных тел напоминает о круговращении времени, о нем же говорят гаснущие краски наступающего вчера..
Зал № 21. Руссо.  Дерен.
Рубеж XIX и ХХ веков ознаменовался открытием для европейского  сознания новых областей художественного творчества, дотоле как бы находившихся за пределами искусства - творчества первобытных народов, африканской скульптуры, примитивного самодельного искусства, детского рисунка.
Таможенник Анри Руссо был самоучкой и обратился к живописи в сорокалетнем возрасте. Его друзья художники-авангардисты относились к этому неутомимому труженику, десятилетиями создававшему свои работы, с ироническим почтением. История оставила его работы в составе искусства ХХ века. Картины Руссо - своеобразный тип фольклора, рожденного современным городом, они отражают наивные и расхожие представления его обитателей. Руссо никогда не выезжал за пределы Франции, а свое вдохновение для изображения экзотических животных и стран черпал, посещая Ботанический сад, зоопарк, рассматривая изображения в географических атласах и на почтовых марках. На картине “Муза, вдохновляющая поэта” Руссо изобразил своего друга, выдающегося поэта и художественного критика Гийома Аполлинера и его спутницу, художницу Мари Лорансен. Аполлинер одет в современный костюм, но держит в руках непременный атрибут поэта - гусиное перо. Мари Лорансен уподоблена Руссо матери-прародительнице. Мощные формы ее тела закрывает античный хитон, а голова увенчана, как у героини Боттичелли, гирляндой цветов.
В зале выставлены также произведения зрелого творчества  Андре Дерена. Для них характерны интеллектуальная продуманность и строгая логика построения композиций. Искусство  художника обретает внутреннюю напряженность. В натюрмортах, отталкиваясь от Сезанна, Дерен заостряет экспрессивную выразительность формы и цвета. В сюжетных композициях 1910-х годов заметны душевные сомнения художника. Атмосфера томительной скуки и мистического ожидания и одновременно возвышенного священнодействия царит в картине “Суббота”, где, кажется, остановилось время, а удлиненные фигуры уподоблены средневековым деревянным изваяниям.
Зал № 22. Пикассо. Брак.
Наиболее крупными явлением искусства первой половины ХХ века явилось творчество Пабло Пикассо, испанца по происхождению, прожившего большую часть своей жизни во Франции. Уже ранние работы Пикассо, представленные в музее, говорят о масштабе его дарования. Соприкосновение в начале 1900 гг. с художественной жизнью Парижа ускорило формирование яркой личности художника.
Картина “Свидание” (1900) говорит о демократической направленности искусства раннего Пикассо и о драматизме его мировосприятия. Герои картины принадлежат к социальным низам общества. В порыве их страсти остро звучит чувство одиночества и потерянности в мире. В том же ключе исполнена и картина “Арлекин и его подружка” (1901), где возникает тема судьбы артиста.
Это чувство становится господствующим в полотнах художника, созданных в первые годы ХХ столетия. Цветовая гамма становится монохромной, мертвенно-синей. В такой манере выполнен “Портрет Сабартеса” (1901), поэта и друга художника, написанный в Барселоне, куда Пикассо на короткое время вернулся из Франции.  Там же написано еще одно полотно художника - “Старый еврей с мальчиком” (1903) Заброшенность и беззащитность старости и детства, близость в одиночестве, высшая духовность слепца, показанные в картине, невольно вызывают воспоминания об испанской традиции изображения обиженных судьбой и человеческого страдания.
С 1905 года Пикассо живет в Париже. Новый период его творчества ознаменовался переменой в живописной манере, краски становятся более теплыми, доминирует розовый цвет. Его главные герои – артисты цирка, вечные странники, которые олицетворяют для Пикассо все человечество. Шедевром раннего Пикассо является “Девочка на шаре”, созданная в 1905 году. Гибкая юная гимнастка, балансирующая на шаре, противопоставлена неподвижному мощному атлету. Они близки друг другу и одновременно одиноки на фоне пустынного пейзажа, где пасется белая лошадь и куда уходят женщина с ребенком и собака. Пространство этого пейзажа чудится бесконечным. Поза атлета, напоминающая древние рельефы, кажется извечной, равновесие девочки - зыбким. В ее поднятых вверх руках - победа, вопрос, удивление. Образы главных героев напоминают аллегорические фигуры Фортуны, богини судьбы, и Доблести и одновременно рождают чувство беззащитности человека перед временем и судьбой.
В конце 1906 - начале 1907 года Пикассо вместе с Жоржем Браком (1882-1963) начал серию смелых экспериментов, заложивших основу новому направлению в живописи - кубизму. Важнейшими факторами его формирования стали открытие нового пласта внеевропейской культуры - негритянской пластики с ее обобщенными, геометризированными формами и возросшее значение рациональной технической мысли в начале ХХ столетия. Фигуры и предметы на полотнах кубистов приобретают геометрические очертания, расчленяются анализирующим умом на отдельные характерные признаки и составные части, которые становятся их условным кодом. Пользуясь ими, Пикассо и Брак строят изображение на холсте уже в соответствии с ритмическими законами художественной композиции. Картина, по определению Андре Сальмона, уподобляется математическому  уравнению.
Сказать, что одной из вершин кубистической живописи Пикассо является портрет торговца картинами и друга многих французских художников Амбуаза Воллара (1909-1910). Сохраняя портретное сходство - обстоятельную неторопливость Воллара, полуприкрытые тяжелыми веками глаза, крупный нос, высокий лоб, - Пикассо делает главным в своем произведении напряженный процесс жизни сознания, рождения мысли, упорядочивающие хаос разрозненных элементов и воссоздающих их подлинную сущность.
Залы №№ 23-25
Коллекция музея мирового искусства середины и второй половины ХХ века не отличается такой же полнотой, как раздел предшествующего периода, однако в нем представлен целый ряд произведений значительных мастеров этого времени.
Продолжателем кубизма был в начале своего творчества французский художник Фернан Леже (1881-1955). В дальнейшем, желая отразить в произведениях реальности технического века, Леже включал в свои произведения механические конструкции, уподобливал человека придатку машины, стремясь яркими красками передать оптимизм созидательного труда.
Из многочисленных течений и направлений в искусстве ХХ века в экспозиции музея можно видеть работу представителя “пуризма” Амеде Озанфана (1886-1966). Это направление тесно связано с конструктивизмом в архитектуре. Озанфан упрощает и очищает формы, доводя их до уровня абстракции (“Графика на черном фоне”, 1928). С дадаизмом и сюрреализмом был связан испанец Жоан Миро (1893-1983). Его “Композиция” (1927) соединяет черты схематического детского рисунка и сюрреалистического парадокса.
Зачинателем “метафизической живописи” был итальянский художник, поэт и критик Джорджо де Кирико (1888-1978). Созданные им городские пейзажи, пустынные и застывшие, рождают чувство отчужденности мира и человека. Картина “Большая башня” (1921) повторяет большую по размерам композицию, носящую симптоматическое название “Ностальгия по вечности”.
В музее представлено также творчество художников “русского зарубежья”, родившихся в России, но после 1917 года  работавших за границей, - Марка Шагала, Михаила Ларионова, Осипа Цадкина, Василия Кандинского.
Раннее творчество Марка Шагала (1887-1985) связано с Россией. Он родился под Витебском и навсегда сохранил привязанность к юношеским впечатлениям. Картина “Ноктюрн” была написана Шагалом во время Второй мировой войны в США, куда художник эмигрировал из Франции, где жил с 1923 года.  Работа посвящена памяти умершей жены Шагала Беллы. Она в белом саване летит над Покровской улицей в Витебске. В конце шлейфа савана виден портрет художника, повернутый в противоположную сторону, как знак разлуки и прощания. Петух с растущим из его клюва деревом - символ скорбной души мастера.
Созданная в 1980 году картина “Художник и его невеста” - размышление о судьбе Мастера и вдохновляющей его Музе и одновременно автопортрет живописца, где он подводит итог своей жизни, связанной с Россией и Францией: слева видны очертания Эйфелевой башни и собора Нотр-Дам, справа - собор и улицы его родного города.
Одна из ключевых фигур искусства ХХ века - Василий Кандинский (1866-1944). Он родился в Москве, но большая часть его жизни была связана с Германией. Он стоял у истоков немецкого экспрессионизма. Став организатором мюнхенского объединения “Синий всадник”, сотрудничал с деятелями веймарского “Баухауза”, утверждавшими конструктивные формы в архитектуре и искусстве. Кандинский был также основоположником абстрактной живописи. Создавая свои “импрессии”, “композиции” и “импровизации”, он стремился как можно дальше удалиться от реального мотива.
О немецком экспрессионизме могут дать включенные в экспозицию графические работы Эмиля Нольде и Франца Марка, а также художника-антифашиста Ханса Грундига, созданные им в концентрационном лагере.
Музей обладает большим собранием картин американского художника, живописца и графика, писателя  Рокуэлла Кента, полученным в дар от автора в 1961 году. Кент неоднократно бывал в Европе, ездил в Гренландию, на Огненную Землю и Аляску. Впечатления от своих путешествий он запечатлел на своих полотнах.
Из числа итальянских мастеров второй половины  ХХ века представлены в музее своими работами художники, сохранившие в своих произведениях связь с  реальностью, - живописец Ренато Гуттузо (1912-1986) и скульпторы Джакомо Манцу (1908-1991 ),  Франческо Мессина (1900-1995 , произведения выставлены на наружной колоннаде главного здания) и Эмилио Греко (1913-1995).
Картина Ренато Гуттузо “Воскресенье калабрийского рабочего в Риме” (1960-1961 гг.) принадлежит к числу наиболее значительных созданий художника. Он обращается к теме, весьма существенной для жизни Италии 1960-х годов: взаимоотношение промышленного Севера и аграрного Юга, когда множество южан было вынуждено искать заработки в индустриальных центрах севера Италии. Одиночество, оторванность от родной земли, жажда самоутверждения, тоска - все эти чувства выразились в фигуре молодого рабочего, одиноко сидящего перед проигрывателем в предместье Рима. Реализм Гуттузо экспрессивен, что ощутимо в трактовке фигуры, в напряженном звучании цвета, в контрасте прямоугольных очертаний построек за окном и позе молодого мужчины.
В музее хранятся также работы крупнейшего мексиканского художника Диего Риверы (1886-1957). В экспозиции представлен портрет С.И. Макар-Баткиной (1929), жены сотрудника советской миссии, написанный вскоре после поездки художника в СССР.
Музей пополняет свои собрания за счет даров и приобретений. Одно из недавних поступлений - скульптура известного мастера Ханса (Жана) Арпа “Крылатое создание” (1961), поступившая в 1995 году. Родившийся в Германии  художник и  поэт, Арп с 1925 года жил в Париже. В 1930-х годах он обратился к новой концепции скульптурного творчества - “витализму”. В его работах органические первоэлементы объединяются на основе пластических и математических  законов, становятся знаком творения, одушевляющего инертную материю.
Многочисленные временные выставки, которые ежегодно проходят в музее, знакомят посетителей с произведениями, хранящимися в фондах музея, а также с работами зарубежных мастеров прошлого и настоящего, представленных в различных музеях мира.

Количество показов: 793

Возврат к списку


Текст сообщения*
:) ;) :D 8) :( :| :cry: :evil: :o :oops: :{} :?: :!: :idea:
Защита от автоматических сообщений
 


<img src="/bitrix/images/fileman/htmledit2/php.gif" __bxsrc="/bitrix/images/fileman/htmledit2/php.gif" border="0" __bxtagname="php" __bxcontainer="{'code': '<?$APPLICATION->ShowTitle()?>'}" /> <img src="/bitrix/images/fileman/htmledit2/php.gif" __bxsrc="/bitrix/images/fileman/htmledit2/php.gif" border="0" __bxtagname="php" __bxcontainer="{'code': '<?$APPLICATION->ShowTitle()?>'}" /> <img src="/bitrix/images/fileman/htmledit2/php.gif" __bxsrc="/bitrix/images/fileman/htmledit2/php.gif" border="0" __bxtagname="php" __bxcontainer="{'code': '<?$APPLICATION->ShowTitle()?>'}" /> Экспозиция Галереи искусства стран Европы и Америки XIX- XX веков.